Carlo Perna - umetnik - dela



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Carlo Perna, dela


Prosojnice


Sestava V


Neprekinjenost


Koncert


Rimske senzacije


Nov dan


Prostor 25


Ples življenja


Spomin na Agrigento


Vesolje 11


Sneženje


Prostornost


Poklon Morandiju


Med vrtinci


Ljubitelji

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Rosa Mundi, Daniela Papadia Paola Cassola Perna Gaia Todeschini

BIAS 2018 v Palermu je predstavljen v Benetkah z razstavo Porta itineris dicitur longissima esse od 10. maja do 30. junija 2017. V vrtu Algiubagiò Ca 'Donà je bila organizirana skupna razstava na temo vrat, ki sta jih kustosirala WISH WOrld International Sicilian Heritage in Polytechnic Torino. V prvo sobo, ki jo je postavila Michela Sichera s Politehnike, z deli iz projekta Gang City, predstavljenim v Benetkah na bienalu arhitekture 2016, pridete do dna, ki presega običajne predsodke glede duhovnosti. Na temo vrat vstopimo v labirint in globoko vesolje BIAS. Umetnik, umetniki, skupaj v svoji raznolikosti ponujajo verodostojno interpretacijo filozofske in duhovne teme vrat. Vstop na levi strani Protoquadro Federica Bonellija ponuja milijone možnih podob San Francesca da paole, ko prečka Mesinsko ožino. Vsak delček sekunde je optično prebran z novim logaritemskim potezom krtače, neopazen, a hiter pretok giba spremeni sliko v vratih našega vida vsako sekundo kasneje. Preteklost vdre v sedanjost in razkriva vedno novo podobo.
Pred Protoquadrom nam podoba, natisnjena na prozorno platno Les Vestiges du jour avtorja Rosa Mundi, pripoveduje o dveh zgornjih obokih dveh neizmernih vrat, očitno sodobnih in preprosto iz čiste arheologije. V resnici so med enimi in drugimi vrati vsaj štiri stoletja človeštva. Tu smo v Siriji, zdi se, da se je čas ustavil. Kamni nam razkrijejo neštetokrat, ko se je ustavil.
Na desni strani fotografije "raztapljanja" dela Gaie Todeschini, posnete v Saragozi. linearno in trezno slediti po sirskih vratih Rosa Mundi, kar pomeni arheologijo, ki se je zgodila v času človeštva, ki jo je ustvarilo, ki ne pušča več nobenega kakovostnega ali estetskega kanona. Prvotna bela stavba, obdana z naravo, vam omogoča pogled na hribe oljk. Nato se počasi redči do popolne opustitve. Obisk razstave poteka v nasprotni smeri urnega kazalca. zadnja tri raztapljanja Gaje Todeschini so pričevanje tega, kar naše človeštvo, naše stoletje prepušča času: prinaša cementne konstrukcije, implodirane, pečine in razpada. V ozadju pusta pokrajina polj vetrnic. Po fotografiji zadnjega odseka avtoceste Reggio Calabria, ki ga je izvedel fotograf Armando Perna, vodi do zadnjih vrat, zadnjega viadukta, dokončanega po letih. Krhkost "nog" viadukta je od blizu fotografija.
Sledi tabela zavezništva Daniele Papadia, ki komunicira z Rosa Mundi's Ključ zadnje večerje v neprekinjeni igri filozofskih razmišljanj in referenc, med tem, kdo smo, kaj verjamemo, kaj smo, kaj lahko v resnici razumemo.

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Piero Manzoni v Rimu - Intervju z avtorico Raffaello Perna

Vdal se je sam pred nekaj dnevi v Rimu v Makro - Muzeju sodobne umetnosti Rim, L knjiga "Piero Manzoni in Rim" avtorice Raffaelle Perne, objavljeno v seriji rdečih rib Electa, je peti zvezek posebne serije, posvečene liku Piera Manzonija, ki je nastala v sodelovanju s Fundacijo Piero Manzoni. Predstavila avtorica Raffaella Perna s posredovanji Claudio Crescentini, kustos in umetnostni zgodovinar MACRO, Federica Pirani, Vodja razstavne službe kapitolinskega nadzorništva za kulturno dediščino e Claudio Zambianchi, Profesor sodobne umetnostne zgodovine na Univerzi Sapienza v Rimu.

Tokrat govorimo o enem od nespornih protagonistov sodobne umetnosti 20. stoletja Pieru Manzoniju. Milanese, obkrožil se je s številnimi prijatelji umetniki, kot je na primer Lucio Fontana, s katerim sta pogosto bivala v svojem najljubšem lokalu, znamenitem baru Jamajka, da bi si privoščila kavo, a ne samo, da bi nazdravili tudi uspehu Pierovih umetniških del. cenijo prijatelji. Ko je delal, ni uporabljal samo platna, čopiča in barv. Piero Manzoni je risal metre in metre črte in jih nato zapiral v kartonske zvitke, včasih jih je meril, včasih jih je uspel narediti neskončne. Znani so njegovi Achromes, dela, obdelana s tkaninami, bombažem, ali preprosto uporabljena platna, enak osnovni material slike, ki jih obdelujejo, nagubajo in pustijo prazne. Vse kompozicije so nato pobarvane s kaolinom, ki daje Manzonijevim delom značilen videz belega mavca, postopek del poteka sam po sebi, je samozadosten. Najbolj briljantno delo, zaradi katerega je postal zelo znan, in glavni junak: neimenovano je "umetnikovo sranje". Ne vemo natančno, kaj je v teh škatlah, toda Piero Manzoni noter ni dal samo svojega sranja, ampak tudi idejo! In tega še nihče ni storil še nikoli. Iz tega razloga in ne samo, da je danes v muzejih sodobne umetnosti, ampak je del velikih zasebnih in javnih zbirk in se še vedno preučuje.

Kratek intervju z avtorico Raffaello Perna in njeno knjigo o Pieru Manzoniju in Rimu ...

1) Kako se je rodila knjiga Piero Manzoni e Roma?

Kustos Fundacije Piero Manzoni, Rosalia Pasqualino Di Marineo, me je povabila na govor na konferenci o Manzoniju, ki je bila novembra 2014 v palači Reale v Milanu. Ob tej priložnosti sem predstavil prvi prispevek o razmerju med Manzonijem in rimskim umetniškim okoljem med poznimi petdesetimi in šestdesetimi leti, v skladu s prejšnjimi študijami na šoli Piazza del Popolo. Od tam se je porodila ideja za poglobitev raziskave in objavo zvezka v seriji Pesci Rossi avtorja Electa, v posebni seriji, posvečeni liku Manzonija, ki je nastala v tesnem sodelovanju s fundacijo.

2) Ali lahko v treh izrazih opišete njegov način razmišljanja?

Lahko vam odgovorim z navedbo treh stavkov, ki jih je napisal Manzoni, ki povzemajo njegove misli, predvsem pa nam omogočajo razumevanje njegove izredne kulturne globine: "Ničesar ne smemo reči: samo biti moraš, samo živeti moraš " „Zakaj ne očistite te površine? Zakaj ne bi poskušali odkriti neomejenega pomena celotnega prostora, čiste in absolutne svetlobe? " "Zemlje ne moreš zapustiti s tekom in skakanjem, rabiš krila".

3) Ali je bila umetnost in ustvarjalna ideja vedno v tesni zvezi? Kako ga je razvil Manzoni?

Manzoni je raziskal nematerializirane in performativne rešitve, za katere je bila značilna pozornost do telesa in neposredna vpletenost javnosti. Prebijanje meja med umetnostjo in vsakdanjim bivanjem ter zanimanje za organske in fiziološke procese so bistveni elementi mnogih njegovih del, od Zračnih teles, Žive skulpture do Umetnikovega sranja.

4) Umetniško delo po vašem mnenju pogosto opisujejo kot produkt človeške nerazumnosti, rezultat brezčustvovanja brez pravil?

Na tej točki se je Manzoni zelo jasno izrazil leta 1957, ko v manifestu Umetnost ni resnična stvaritev, podpisanem z Ettorejem Sordinijem in Angelom Vergo, potrjuje, da mora umetnik odpraviti neuporabne kretnje, to je "vse, kar je v nas kot osebno in literarno v najslabšem pomenu izraza: megleni spomini iz otroštva, sentimentalnost, vtisi, namerne konstrukcije, slikovni pomisleki (...), lažne tesnobe, nezavedna nezavedna dejstva ... "

5) Kateremu umetniku bi rad pisal? In umetnik, ki se ji izrazno počuti najbližje?

Med umetniki, s katerimi nisem imel stikov, a bi jih rad imel, sta John Baldessari in Valie Export. Umetnik, ki ga zelo poznam in ljubim, je Francesco Vezzoli, njegova zadnja razstava v fundaciji Prada je bil odličen projekt.

6) Kaj želite s to knjigo sporočiti svojemu občinstvu?

Upam, da sem lahko prepričljivo prebral tesne odnose, ki jih je imel Manzoni z Rimom od sredine petdesetih let prejšnjega stoletja, in se osredotočil na dolgove in zapuščine svojega dela v kulturnem okolju prestolnice, ki je bilo takrat še posebej pomembno in bogat z izvirnimi osebnostmi, vključno z Albertom Burrijem pri Cy Twombly. Upam tudi, da bo knjiga razkrila izjemno fluidnost in zapletenost odnosov med Rimom in Milanom, umetniške stvarnosti, ki so prepogosto obravnavane ločeno.

Za založbo University Press Sapienza pripravljam razno razne knjige o Renatu Mamborju, umetniku, ki je povezan s šolo Piazza del Popolo, ki je umrl pred tremi leti. Skupaj s Francesco Gallo pripravljam tudi veliko antologijsko razstavo o Ketty La Rocca, ki se bo odprla spomladi 2018 v Ferrari. Zahvaljujoč sodelovanju z umetnikovim arhivom bo predstavljenih nekaj neobjavljenih gradiv in več del, ki še nikoli niso bila razstavljena. V tem času še naprej delam na področju odnosa med umetnostjo in feminizmom v Italiji z različnimi uredniškimi in razstavnimi projekti.

8) Za konec, kaj bi radi pustili za prihodnost?

Trenutno bolj kot o prihodnosti razmišljam o sedanjosti in upam, da bom pustil nekaj od tega, kar imam

Knjiga Raffaelle Perne dokumentira odnos med Manzonijem in Rimom, opisuje mrežo odnosov, ki jih milanski umetnik prepleta z rimskimi kritiki, lastniki galerij in umetniki, in predlaga tudi novo branje idej, ki so jih na srečanju našli tako imenovani umetniki Piazza del Popolo z Manzonijem.

Umetnikov prvi stik z Rimom sega v leto 1955, ko se je komaj dvaindvajset vpisal na fakulteto za črkopisje in filozofijo Sapienza. Med letoma 1959 in 1961 bo Manzoni štirikrat razstavljal v Rimu, najprej je prišel v stik z Galleria Appia Antica ter s kulturno-umetniškim okoljem Emilio Villa in z galerijo Trastevere Topazia Alliata, nato z galerijo La Tartaruga v režiji Plinia De Martiis. V Rimu, ki je takrat doživljal posebno rodovitno umetniško sezono, se je vpliv Piera Manzonija kazal v dveh različnih fazah: konec petdesetih let je bil akromatični in antiekspresivni vidik Manzonijevega raziskovanja z zanimanjem gledan nanj. mladi, rimski umetniki, zlasti Franco Angeli, Mario Schifano, Giuseppe Uncini in Tano Festa. Sredi šestdesetih let je torej Manzonijevo delo že pomemben vir za rimsko umetnost: k temu precej prispeva tesen odnos, ki ga umetnik vzdržuje s prestolnico v svojem kratkem življenju od svojega prvega bivanja. Natanko osem let po smrti Manzonija, ki je umrl zaradi srčnega napada 6. februarja 1963, je razstava v Narodni galeriji moderne umetnosti dokončno posvetilo njegovega dela: od tega trenutka Manzonijeve raziskave vstopajo v italijanski kanon umetnost 20. stoletja kot ena najpomembnejših in izvirnih točk raziskav po drugi svetovni vojni.

Ob predstavitvi knjige bo v Rimu prvič predvajan film Piero Manzoni, umetnik, ki ga je režiral Andrea Bettinetti, producirala Michele Bongiorno in Sky Arte HD v sodelovanju z fundacijo Piero Manzoni v Milanu . Dokumentarec, posnet z neposrednimi pričevanji prijateljev, družine in umetnikov, ki so ga poznali in obiskovali, želi rekonstruirati človekovo osebnost, skozi nedokončana dela in projekte prikazati njegovo umetniško pot, raziskati skrivnost njegove neverjetne ustreznosti, tudi v besedah sodobnih osebnosti mednarodne slave in z obsežnim dokumentarnim in avdiovizualnim aparatom. Med neobjavljenimi materiali, ki so se pojavili med raziskavo, opažamo izjemno odkritje filmov iz obdobja, ki predstavljajo zelo redko pričevanje umetnikovih posnetih podob v nekaterih njegovih najbolj znanih ustvarjalnih dejanjih. Pobudo spodbuja Roma Capitale, Oddelek za kulturno rast - Capitoline Superintendence za kulturno dediščino.

Piero Manzoni (Soncino, 13. julij 1933 - Milano, 6. februar 1963) je bil italijanski umetnik, mednarodno znan po svojih Achrome in Merda d’artista. Rodil se je v Soncinu leta 1933 iz družine plemenitega porekla, oddaljeni potomec Alessandra Manzonija, odraščal je v Milanu, mestu, kjer je najprej študiral na Liceo Classico Leone XIII, in na Akademiji za likovno umetnost Brera. Zahvaljujoč znancem svoje družine je kmalu prišel v stik z milanskim umetniškim okoljem in zlasti z umetnikom Luciom Fontano, slavnim ustanoviteljem Spacializma. Manzonijeva prva produkcija se ponaša s tradicionalnimi modeli, večinoma krajinami in oljnimi portreti. Že leta 1955 pa se je začel preizkušati v ustvarjanju slik, katerih predmet so odtisi vsakdanjih predmetov, in začel platna narediti kot instrument, s pomočjo katerega lahko zajema resničnost. 1958 zaznamuje Achromes, iz brezbarvne francoščine: platna, namočena v mavec ali tekoči kaolin in lepilo, z belo površino. Umetnik ne posega v delo, ki se spremeni samo, material se spremeni, ko se posuši na nosilcu. Manzoni svoja dela razstavlja v skupinski oddaji z Enricom Bajem in Luciom Fontano. leta 1959, da bi nadaljeval raziskovanje v smeri "Acrhome", začne slikati "Linije", namenjene konceptualnim objektom. Prva "Telesa zraka" segajo v to obdobje, to so preprosti baloni, napolnjeni z zrakom, ki bodo nato prepoznani z imenom "umetnikov dih" in leta 1960 razstavljeni v razstavnem centru Azimuth, povezan s slavno revijo, ki jo je ustanovil s kolegom Enricom Castellanijem leta 1959. Med letoma 1959 in 1961 bo Manzoni štirikrat razstavljal v Rimu. Medtem slog Piera Manzonija postane še bolj radikalen in predlaga nova dela z vse bolj provokativnim značajem. Poleg tega, da še naprej dela na "Lines" in "Acrhome", z odtisom palca podpiše nekaj trdo kuhanih jajc, ki jih razdelijo javnosti in jih na enem mestu pojedo med enim od njegovih nastopov. Oblikoval je tudi "Čarobno bazo", sestavljeno iz preprostega podstavka, ki ga je podpisal in ki je lahko vsakogar, ki se je povzpel nanj, povzdignil v vlogo umetniškega dela. Leta 1961 nabavi in ​​proda najbolj znana svoja dela, in sicer 90 "Umetniška merda", težka 30 g. Vsak od njih se proda po ceni, ki ustreza toliko gramom zlata. Poleg tega, da ironično in metaforično aludira na globok izvor umetniške produkcije, delo obravnava natančno kritiko sistema sodobnega umetniškega trga, v katerem se zdi, da bi uveljavljeni umetnik lahko karkoli prodal, tako da bi to izpustil kot umetnost. Nadaljuje z gradnjo še ene "Čarobne baze" in "Osnove sveta", prevrnjenega železnega paralelepipeda, da bi svet sam izbral za umetniško delo. Leta 1963 je pri 29 letih v svojem milanskem studiu nenadoma umrl zaradi srčnega napada.

Raffaella Perna - Je profesor sodobne umetnostne zgodovine na Oddelku za izobraževalne vede, kulturno dediščino in turizem Univerze v Macerati. Napisal: (2016) Pablo Echaurren. Gibanje iz leta 77 in metropolitanski Indijanci, Postmedia Books, Milano (2013) Umetnost, fotografija in feminizem v Italiji v sedemdesetih letih, Postmedia Books, Milano (2013) Wilhelm von Gloeden. Preobleke, portreti, namizni vivanti, Postmedia Books, Milano (2009) V obliki fotografije. Umetniške raziskave v Italiji od 1960 do 1970, DeriveApprodi, Rim.

Je neodvisna kustosinja, umetniška svetovalka in mednarodna svetovalka za upravljanje kulturnega trženja. Že več kot 20 let je kulturni oblikovalec dogodkov, povezanih s sodobno umetnostjo, s posebno pozornostjo do nenavadnih prostorov in interakcij z drugimi umetnostmi. Kot vodja projekta poglobljeno pozna različne procese, ki so vključeni v načrtovanje, usklajevanje in aktivnosti za večje dogodke, od organizacije, kuratorstva, raziskav do priprave besedil in katalogov. Ustvaril je in kurator več kot 50 kritik, samostojnih in skupinskih razstav, instalacij in intervencij v javnih prostorih v Italiji.
Študijskim projektom je sledil v tesnem poslovno-kulturnem odnosu v sodelovanju in po naročilu večjih podjetij, umetniških organizacij, medijev, festivalov, univerz, institucij. Med sogovorniki: veleposlaništva (Francija, Švica, Belgija, Nemčija, Avstrija, Španija, Egipt, Turčija ..) Evropska skupnost, državni, državni, občinski muzeji v Italiji in mednarodni, Fundacije. Nadaljeval je tudi z raziskovanjem kot samostojni kulturni menedžer za projekte, ki temeljijo na lokalnem družbenem razvoju. Leta 2005 je ustanovil Art & Communication, neprofitno združenje za podporo, promocijo in razširjanje sodobne umetnosti, ki mu sledi še danes. Njegovo zanimanje je usmerjeno v nove mednarodne umetniške prakse, zlasti glede sodelovanja umetniških projektov v javnih prostorih. Strokovnjakinja Super partes z največjo strokovnostjo in preglednostjo, objektivnostjo in zaupnostjo, diskretnostjo in nepristranskostjo zagotavlja stalno spremljanje trga z ocenjevanjem priložnosti: - za umetnike pri ustvarjanju osebnih in skupinskih razstav, ki jih podpira v vseh fazah in predlaga konkretne povezave v Italiji in v tujini - za zasebne stranke in podjetja za prodajo in nakup, da se izognejo tveganjem in usmerjajo izbiro k verodostojnim cenam z uravnoteženim razmerjem med kakovostjo in ceno, ki jih ponuja umetnik ali trg. Vrednotenje sodobnih in sodobnih umetniških del.

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  • 1 Življenjepis
    • 1.1 1950
    • 1.2 Šestdeseta
    • 1.3 Sedemdeseta
    • 1.4 Osemdeseta
  • 2 Razstave in bibliografija
  • 3 Carlo Alfano v muzejih
  • 4 Arhiv Alfano
  • 5 Opombe
  • 6 Drugi projekti
  • 7 Zunanje povezave

Redko in bistveno je nekaj biografskih zapisov o umetniku, ki je v zgodnjih letih govoril o intimnem poglavju, za katerega sta značilna osebna "prazgodovina" in "samotno delo [1]". Že v petdesetih letih se je poleg "slikanja" v strogem pomenu besede ukvarjal tudi z drugimi zanimanji, kot so glasba (obiskoval je konservatorij San Pietro a Majella), literatura in študij filozofije. Kasneje ga bodo zanimale težave, povezane z zastopanostjo in zaznavanjem, zaradi česar se bo po vpisu na licej vpisal na Akademijo za likovno umetnost v Neaplju. Od šestdesetih do konca osemdesetih je sodeloval na nekaterih najpomembnejših razstavah v Italiji in Evropi. Med drugim so o njegovem delu pisali: Flavia Alfano, Giulio Carlo Argan, Alberto Boatto, Bruno Corà, Maria De Vivo, Achille Bonito Oliva, Gianfranco Maraniello, Filiberto Menna, Pierre Restany, Jürgen Schilling, Erich Steingräber, Francesco Tedeschi, Angelo Trimarco , Lea Vergine, Andrea Viliani.

1950. Edit

Prva produkcija Carla Alfano se nanaša na fazo treninga, za katero je značilna intenzivna eksperimentalna aktivnost. Decembra 1955 je bila v Neaplju v galeriji San Carlo njegova prva osebna razstava, kjer je predstavil grafična dela. Hkrati pa slikovni jezik tistih let nakazuje slike, ki neformalne materialne konkrecije izmenjujejo s koloristično lahkotnostjo [2].

Šestdeseta Uredi

Izhajajoč iz pomena vizije, se Alfanova raziskava v šestdesetih letih osredotoča na protislovno razmerje med logiko in zaznavanjem. Leta 1962 je razstavljal v Rimu v galeriji Obelisk cikel del, pri katerih je platno črn prostor, globok in nedojemljiv, medtem ko se figure zdijo monumentalno izolirane in nihajoče "slikar se nagiba k temu, da se vstavi v časovni sistem, v kategorijo, katere temeljni kamni so vrednosti pretoka in trajanje. Z vedno večjim odpovedovanjem vidnega in njegove neposredne nepredvidljivosti "[3].

Od leta 1963 se pri premagovanju tradicionalnega slikarskega koncepta problem reprezentacije, ki jo umetnik izraža kot obliko znamenja in prostorske dvoumnosti v odnosu do časa, osrednjega pomena za njegovo delo. Od leta 1964 so njegove raziskave vse bolj analitične konotacije, v tem smislu so simbolična dela ciklov Ritmični tip in strukture je Časi perspektive predstavljen leta 1966 v Agenciji moderne umetnosti Lucia Amelia v Neaplju. V teh delih je na lesen nosilec naslikan preprost sistem geometrijskih znakov, sul

ki so v metakrilatu postavljeni zrcalni ali prozorni kovinski valji (umetnik jih imenuje selektorji). Interakcija svetlobe na teh odsevnih telesih ustvarja različne fenomenalne in zaznavne primere. V tem smislu je zgledna postavitev dela Časi perspektive, 1970-1972, postavljena pred plošče potapljaškega groba [4] v Nacionalnem arheološkem muzeju Paestum [5].

Alfano tako opredeli svoj osebni poklon klasični prostranstvenosti in ponudi izviren prispevek k poskusom kinetične umetnosti in nato konceptualne umetnosti, ki se je razvila v teh letih. Izhajajoč iz razmišljanja o klasicizmu in njegovih kanonih, umetnik skozi različne ekspresivne metode dokazuje dvoumnost med vesoljem in renesančno perspektivno konvencijo. Osrednje v tem smislu je imenovani cikel Razdalje in zlasti delo Razdalje (razdalj od reprezentacije), od 1968-1969. Delo je nameščeno v kotu sobe in predstavlja perspektivno prostorsko podobo. Obiskovalce vabimo, da sledijo črti na tleh, ki naj bi jih pripeljala do točke izginjanja, a iluzija globine izgine, ko uporabnik, ko hodi in s tem zmanjša razdaljo med sabo in delom, ugotovi bistvo prostorske dvoumnosti [ 6].

Številna umetnikova dela se osredotočajo na popolno vključenost gledalca v pretok časa [7] in na sugestivno izkušnjo ploda, kar se zgodi tudi pri delu Oddaljenost od zastopanja, 1968/1969. Tukaj v slabi svetlobi sobe v rednih intervalih pade kapljica, ki zaznamuje upodobitev v vodi in nato odsev na steni kot senco tihe in neskončne zabave [8].

Od leta 1968 so številna dela, ki so bila zasnovana in ustvarjena, instalacije in okolja, kakršna so bila predstavljena leta 1969 v Narodni galeriji moderne in sodobne umetnosti, leta 1970 na razstavah Vitalnost negativnega (Rim), Moja ljubezen (Montepulciano) in v Agenciji za moderno umetnost v Neaplju.

Sedemdeseta Uredi

Dela iz poznih šestdesetih let diskurz o prostoru / času zgostijo v bistveno obliko in tako opredelijo Alfanovo poetiko. Delo Soba za glasove, Arhiv nominacij 1969, '70, '71, '72, '73, '74. od 1968/1969 je delovni projekt, predstavljen v Neaplju (1972), v Milanu, v Galleria dell’Ariete in v Berlinu, v Galerie Folker Skulima. Delo, ki predstavlja osrednje jedro umetnikove zrelosti, ohranja le obodni prostor praznega aluminijastega okvirja 200 x 220 cm [9] klasične oblike slike. Tu se klasična oblika slike raztopi in upodobitev nadomesti z besedami, ki prečkajo celoten prostor sobe.

Platno nadomesti praznina, v kateri teče magnetni trak in upodobitev odstopi časovnemu delovanju, ki se izraža z zvokom. Iz okvirja se pojavijo različni zvočni drobci, ki so v številnih ovitih v tuljave in nato shranjeni v različnih marmornatih ohišjih, ki so del arhiva nominacij. Različni časovni fragmenti, ki jih lahko poslušamo, trajajo 1 minuto in 40 sekund, se pravi natančno prostor / čas, potreben trakom, da s krožnimi gibi prečkajo prazen prostor kadra in se vrnejo vase. Zvok časovnih besed, ki prihaja iz dveh majhnih rež, zapolni in oblikuje celoten prostor Prostor za glasove, konfiguriranje prostora za predstavitev različnih umetniških zvrsti, kot so: tihožitja, portreti, avtoportreti [10].

Vzporedno s tem je Alfano od leta 1969 ponovno prisvojil tradicionalni slikovni medij in na velikih črnih ali belih enobarvnih platnih prepisuje svoje subjektivno in osebno dojemanje časa skozi linearna numerična zaporedja sekund, ki jih prepletajo tišine, fraze, misli in občasne refleksije. Velika platna cikla so bila predstavljena leta 1974 v Münchnu v Galerie Art in Progress, nato v Kunsthalle v Bernu in v Parizu v Galeria Ileana Sonnabend. Prvo izmed del, ki spadajo v cikel Fragmenti anonimnega avtoportreta je Fragmenti anonimnega avtoportreta št. 1, 1969/1970, kjer najdemo vizualni fragment, zrcaljen in obrnjen na prostorsko-slikovni ravnini, ki se nanaša na časovni in zvočni fragment Prostor za glasove.

Tu čas, prepisan na platnu, sekundo za sekundo, deluje v dialoški dimenziji z našo sedanjostjo. V zvezi s tem Carlo Alfano pojasnjuje: "Pomen vsakega fragmenta - kot velikega fragmenta, ki je celotna slika - ni pomen sporočanja vrste dokončanih konceptov in linearnosti časa. Zanima me, kako čas dojamem njegovo krožnost , njene aretacije, hitrosti. Med enotami sekund (znak, ki sem ga izbral za označevanje časa) me zanima počasen pojav besede, napetosti njenih pravil, konflikti in izključitve njenih subjektivnih gibanj, preden besede dosežejo tisto polnost, ki bo zapolnila tišino [11] «. Od leta 1971 je Alfano veliko delal na neizrekljivi prostorsko-časovni dimenziji. Anonimna prisotnost vrstice sekund v ciklu Fragmenti anonimnega avtoportreta, prekriva se na primer s paradigmatičnimi liki, v interakciji s potujočim epom Don Kihota ali z gosto geografijo želja Molly Bloom, v Uliks avtor James Joyce.

V mnogih delih sedemdesetih let Alfanov odsev seka tudi nekatere karavaggeske ikone. Natančneje, vidik, na katerega se umetnik osredotoča, ni figuralen vidik teh ikon, temveč tisto, kar lahko opredelimo kot kraj suspenzije.

Od Poklicanost svetega Mateja Caravaggiovo čakanje v obliki teme ga očara, tema kot odštevanje od reprezentacije, "[ta] velik prazen, temen prostor [ki] se odpre kot neizvedljiva meja.” [12] V ciklu Od poklica do igralca, v temi se osredotoči na prostorno-časovno vrednost premora, razdalje med obema skupinama likov, zaradi česar sovpada s tišino praga, ki je odprt za našo sedanjost.

Ta vidik raziskave, razvite od sredine sedemdesetih let, je izražen v ciklusu Eko-Narcis predstavljen leta 1978 v sobah muzeja princa Diega Aragone Pignatelli Cortés v Neaplju in naslednje leto v Leverkusnu v muzeju Morsbroich. Dvojni odsev Narcisa in Odmeva v vodi in v zvoku se ponovno nanašata na dvoumen prostor, kjer jaz in drugi predlagata dve enaki in različni resničnosti na sočasni časovni ravni. Dve nenaključni sliki odražata prostor, ki sovpada z izgubo figurativnega težišča in nemogočo prostorsko unikatnostjo čutimo v zgoščevanju različic Poklicanosti in Narcisa željo po prodoru v novo odkrito pomensko temo in po raziskovanju kot deviškega ozemlja, polnega možnih presenečenj [13] .

Osemdeseta Uredi

V delih osemdesetih človeška figura, ki je razdeljena na dva dela, poudarja razcep in izgubo klasične osrednjosti, bolj kot kdaj koli prej notranjo za posameznika. Delo desetletja je odvisno od tega odseva, ki ga ločijo dela z zelo močnim vizualnim vplivom: redka in hladno tiha. V delih, predstavljenih na mednarodni umetniški razstavi XL Biennale v Benetkah leta 1982, se prostorsko-časovna razdrobljenost primerja in opredeli kot zlom posameznega [14] platna in figure sta razrezani in razcepljeni, vendar četudi razdeljeni na dve polovici upodobitev ostaja pri priča "Sledi in drobci telesa in telesa v gibanju v praznem, tihem prostoru, sestavljenem iz predelov svetlobe in sence, [...]" figure ", ki prikazujejo človeka, ki se premika z težave, se skoraj vleče, se pojavi ali izgine v senci ... [15] ".

O delu Eco-Descent (svetlo - črna) (1981) del zbirke Terrae Motus e ora ospitata nelle sale della Reggia di Caserta lo stesso Alfano dirà: “Le due sezioni del corpo spezzato sono l’una l’eco dell’altra: l’eco rimanda alla voce e viceversa. Nel mio lavoro è fondamentale il tema della duplicità. Nel mio caso il doppio non va inteso come sommatoria, bensì come condizione d’ambiguità in cui giocano il reale e il suo riflesso. Alla fine tutto oscilla tra questi due falsi. L’eco, a sua volta, è una voce che si ripercuote e che va oltre la sua sorgente di origine, ma che ha sempre bisogno di un’emittente, di una matrice: così nel quadro le due parti staccate non possono agire autonomamente [16] .” I grandi dipinti della metà degli anni Ottanta sono da considerarsi come un preludio per la genesi di Camera 1 e Camera 2: “un’eredità spiazzante, nutrita a sua volta di richiami alla storia dell’arte, dove Alfano ha voluto convocare e far rivivere alcuni dei segni più radicati nell’immaginario artistico occidentale, privandoli però delle loro vesti rassicuranti" [17] .

Camera n.1 (1987) realizzata per il Salone Camuccini (ora sala 2) nel Museo nazionale di Capodimonte di Napoli è un freddo polittico in

alluminio di 2 metri per 6 dove sono rappresentate le due metà di un corpo vitruviano che “(…) rispettivamente entrano ed escono nello e dallo spazio nero dell’opera. La parte destra della ‘figura’, quella posteriore, guarda nel suo ‘luogo’, nello spazio nero interno dell’opera dove si riflette l’esterno, il reale. La sinistra, la parte anteriore della ‘figura’, va verso l’esterno al quadro con il braccio teso come a cercare fuori dall’opera in cui vive il suo equilibrio, il suo spazio [18] .” A poca distanza dal polittico, nella “camera” dialoga a distanza una figura classica: si tratta di un ottaedro sulle cui facce appaiono bussole con orientamenti diversi, l’insieme dei piani rimanda ad una condizione instabile, disorientante e alla individuale perdita di coordinate un astratto oggetto simbolico diviene concreto riferimento di ingovernabilità del processo rappresentativo [19] . L’”insonorizzazione” emotiva perseguita in questo lavoro, come in molte delle opere della fine degli anni Ottanta, trova compiuta espressione nella respingente opacità dei pannelli in alluminio e della pellicola fotografica bruciata [20] , materiali che traducono percettivamente concetti e riflessioni che attengono alla dimensione sia pittorica che umana di Carlo Alfano quali: “durata, intensità, risonanza, profondità, opacità, sonorità, silenzio, memoria, destino, luce, oscurità [21] ”.

Per i dati bio-bibliografici completi ed aggiornati si rimanda al sito dell'Archivio Alfano e al catalogo "Carlo Alfano soggetto spazio soggetto" [22] , il catalogo della mostra ospitata dal MART di Rovereto nel 2017 [23] . Alcuni brevi video della mostra si possono vedere sul sito Internet del Museo MART.

Il 9 ottobre 2019, presso il Teatro San Carlo di Napoli, nel contesto del Festival Artecinema, è stata presentata l’anteprima mondiale del film “Carlo Alfano: tra io e l’altro”, diretto da Matteo Frittelli, ripercorre il lavoro di Carlo Alfano ricomponendo uno spaccato dell’immaginario dell’artista napoletano, accompagnando lo spettatore verso la scoperta delle opere [24] .

  • Museo D'arte Contemporanea Donnaregina - MADRE, Napoli
  • Reggia di Caserta, Collezione Terrae Motus, Caserta
  • Galleria Nazionale d’arte moderna e contemporanea - GNAM, Roma.
  • Museo archeologico nazionale, Paestum
  • Museo nazionale di Capodimonte, Napoli
  • Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto - Mart , Rovereto
  • Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea - GAM, Torino
  • Galleria Civica d’Arte Contemporanea “Giuseppe Perricone”, Erice (TP)
  • Pinakothek der Moderne, München
  • Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
  • Tel Aviv Museum of Art, Israele
  • Museum of Modern Art- MoMa Department Drawing and Prints, New York

L’archivio del pittore Carlo Alfano (Napoli, 1932-1990) ha sede a Napoli dove si trova la più ampia documentazione disponibile sull’opera di Carlo Alfano. L’archivio comprende: documenti appunti scritti autografi studi corrispondenze materiale di studio composto da negativi fotografie lastre antiche diapositive e foto realizzate da Carlo Alfano e utilizzate dall’artista per ricerca e studi preparatori taccuini di studio materiale cinematografico e filmati realizzati dall’artista e sull’artista materiale audio nastroteca e digitalizzazione del repertorio sonoro inerente l’opera Stanza per voci, Archivio delle nominazioni 1969,'70, '71,'72,'73,'74. , 1968/1969 ed una lunga intervista registrata nel 1990 materiale fotografico, una vasta documentazione iconografica del lavoro di Carlo Alfano che copre un arco temporale che va dagli anni Cinquanta alla fine degli anni Ottanta, una documentazione fotografica inerente gli allestimenti e le opere in collezioni pubbliche e private una biblioteca con i testi personali dell’artista cataloghi periodici quotidiani riviste specializzate tesi di laurea manifesti inviti.


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Notizie dell'artista Marco Perna

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Marco Perna e Maria Chiara Salmeri per MAD in Monti

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Perna e Salmeri per Mad in Monti

MARCO PERNA
Artista italiano residente in Francia, si è formato nell'atelier del pittore Manlio SARRA, maestro di cui ha condiviso l'amore per il colore, per il valore delle proprie radici e per le linee mai troppo definite.
Dopo alcuni anni in cui la sua ispirazione artistica aveva dovuto lasciare spazio e tempo alla sua professione di ingegnere e grazie anche a nuove motivazioni legate al suo trasferimento in Francia nel 2007, egli ha finalmente deciso di dedicarsi a tempo pieno a quello che è stato il suo primo amore: la pittura.
Impressionista concettuale, nelle sue tele la figurazione è utilizzata per interpellare l'animo dello spettatore e spingerlo a riflettere su dei significati che vanno al di là di quello che l'occhio percepisce e che costituiscono in realtà la vera ragion d'essere delle sue opere.
A volte ricorre anche al linguaggio astratto, quando lo ritiene più funzionale al tema che intende affrontare, perché si ritiene libero da schemi preordinati.
Il suo bisogno di esprimere il suo mondo interiore lo ha portato anche a cimentarsi nella scrittura per provare a mettere anche in versi la poesia di cui sono impregnate le sue opere pittoriche e per avere un mezzo d’espressione alternativo, o semplicemente complementare, al linguaggio pittorico.
Ha già esposto in diversi paesi europei, oltre che in Marocco e negli Stati Uniti ed ha opere esposte in permanenza al Polo espositivo Juana Romani di Velletri e al Palazzo Del Gaudio Campagna di Mendicino.
Hanno scritto di lui noti critici, fra cui: Eraldo di Vita e Pasquale Solano.
La rivista “EuroArte” pubblica regolarmente le sue opere e anche la rivista Franco-Lussemburghese “PassaParola” ha recentemente pubblicato una sua intervista.
Il noto critico Eraldo di Vita ha detto di lui: “Questo originale artista fa un uso della percezione comune del tutto sovversivo: i soggetti che dipinge sono riconoscibili, ma lui li rappresenta secondo una logica poetica, secondo un ordine capace di farli apparire in una luce inedita, dotati di una forza del tutto nuova. Egli vive nel mistero del mondo.”

MARIA CHIARA SALMERI
Maria Chiara Salmeri, di origini siciliane, vive e lavora a Roma.
Laureata in Storia dell’Arte Contemporanea, si occupa per diversi anni di questo campo
collaborando in qualità di curatrice di progetti espositivi e editoriali. Un lavoro di studio e di
confronto grazie al quale si accosta gradualmente alla pittura da autodidatta e per pura passione.
Espone nel 2012 in occasione di “Teatri Riflessi – Festival Nazionale di Corti Teatrali”, Catania,
con un progetto dal titolo “TeatraRte” e l’anno seguente in occasione del Premio Letterario
Antonio Aniante, Viagrande (CT).
I suoi lavori, acrilico e tempera su tela, si muovono sul terreno delle stratificazioni emotive e degli attimi catturati in danze di colori e tratti, in contrasto e simbiosi, di forme astratte che si
plasmano in strade vivaci.

Mes couleurs, mes mots, ma vie

Via della Madonna dei Monti, 69, Roma, Metropolitan City of Rome, Italy

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Mes racines, mes ailes

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Dans le fameux Château Ducal de Monte San Giovanni Campano connu pour avoir été la prison de Saint Thomas D’Aquin et pour son histoire millénaire, j'expose une vingtaine de mes tableaux dans une expo organisé à la mémoire de mon maître le peintre Manlio SARRA.

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La 1ère Expo internationale des Arts Plastiques de Marrakech proposé par Almazar Art Gallery et l'Association Marocaine des Art Plastique et Échange des Cultures

Veritas Feminae

Villa Bernasconi L.go Alfredo Campanini 2 Cernobbio (Como)

Attraverso le opere pittoriche, scultoree, fotografiche e le installazioni di 52 artisti in esposizione + 7 guest artist fuori concorso, prosegue il percorso indagatore sull’universo femminile, portando alla luce le “verità velate” del suo animo. Il testo critico è affidato alla dott.ssa Teresa Stacca, critico d’arte. Anche per questa esperienza, ad ogni artista in esposizione sarà affiancato una ‘DONNA SIMBOLO’: Ipazia D’Alessandria, Sononisba Anguissola, Matilde Serao, Giovanna d’Arco, Frida Kahlo, Maria Sklodowska, Edith Piaf, Rita Levi Montalcini, Marie-Sophie Germain, Maria Callas, Sabine Spielrein e tante altre…. Tutte donne che hanno lasciato un’impronta indelebile nella nostra storia.
Il vernissage è fissato per il giorno 8 dicembre alle ore 18.00 in presenza delle Istituzioni locali, degli artisti, appassionati d’arte, addetti del settore e critici.
La mostra sarà fruibile fino al18 dicembre 2016 con orario 14.00/19.30.
L’ingresso è libero.
Durante il Vernissage è prevista la Performance
DANDELION | Ciò che per Lei è salvezza, per Lui è prigione
a cura di Mina D’elia e Massimiliano Manieri.
Mina e Massimiliano ci condurranno insieme alla conoscenza di mondi apparentemente contrapposti, il maschile ed il femminile, e il tentativo, artistico e poetico, di superare le "cesure", di trovare una nuova via. Lui rappresenta la gravità, il nichilismo che però nascondono un estremo e titanico sforzo di "liberazione". Lui cuce i suoi veti a chimere elette a dogmi carnefici. Lei, nella gravità e nel Caos, si fa "piuma, vento, seme" per riappropriarsi della dimensione naturale che ci è toccata come destino, ma della quale l'umanità sembra aver perso ogni ricordo. Il femminino opera il riscatto, rende possibile ancora farsi "beffa" dei sistemi (economico, ideologico, religioso) e rialzare gli occhi al cielo e nutrirsi ancora della Terra. La leggerezza e il gioco nascondono ben altro! Sono l'ultimo e il più poetico tentativo di Salvezza dopo aver attraversato il dolore, il fallimento, il senso di Caos e di morte che sembra schiacciare ogni traccia di spiritualità, di sacralità.
Ad arricchire la serata inaugurale, inoltre, reading itineranti di poesie tra le stanze espositive, con scelte poetiche a cura di Liliana Angela Grassi e letture recitate dai lettori dell’Associazione #abbracciebaci:
Re Giovanni, Massimo Varisco, Giorgio Cottini e Malu’ Lattanzi
La Location
Villa Bernasconi a Cernobbio costituisce uno dei più preziosi esempi di stile liberty in Italia. Fu edificata prima tra il 1905 ed il 1906 dall’Architetto Alfredo Campanini, non direttamente sul lago ma a poca distanza dallo stabilimento tessile del committente Davide Bernasconi. La decorazione della villa è ispirata all’industria tessile: uno dei più notevoli dello stile floreale esuberante in Lombardia. I motivi decorativi ricordano il processo di produzione della seta con decorazione che si ispirano a bachi da seta, farfalle e foglie di gelso.

Portraits manqués

Galerie Neuf 9 rue Gustave Simon, 54000 Nancy

Les artistes de l'association ADEIG : Philippe DEGOTT, C-M.GRIMALDI, Elvis MAGHALAES, Marco PERNA, peintures et Etienne MARCHAL, sculptures
vous présentent leurs : "PORTRAITS MANQUÉS"
d'après un texte de VOLTAIRE :
"On ne peut faire ton portrait :
Folâtre et sérieuse, agaçante et sévère,
Prudente avec l’air indiscret,
Vertueuse, coquette, à toi-même contraire,
La ressemblance échappe en rendant chaque trait.
Si l’on te peint constante, on t’aperçoit légère :
Ce n’est jamais toi qu’on a fait

L'Apparenza Incanta

Castello di Fiano Romano 00065 Fiano Romano

La mostra vuole, oltre che entrare nel clima del luogo, dare libera interpretazione del concetto di apparenza agli artisti. Avrà luogo presso l’ala sud privata del Castello di Fiano Romano, in provincia di Roma

ArtEos al Monumentale

Complesso Monumentale "Guglielmo II" Monreale - Palermo

Con il Patrocinio del Comune di Monreale
L'Associazione Culturale ArtEos presenta:

Mie opere del biennio 2015-2016
Colonna sonora : "Il respiro di una notte d'estate . " di Luigi Pellegrini

Face'ARTS

Galleria Farini Via San Vitale 23/a, 40125 Bologna

Un’esplosione di arti, stili e colori. È l’energia che dà vita all’ottava edizione di Face’Arts, la mostra internazionale d’arte contemporanea che si terrà a Bologna dal 22 ottobre al I novembre. Dopo aver toccato location prestigiose in città come Conversano, Pesaro, Lecce, Jesi, Merano, Verona e Matera, l’evento fa tappa alla Galleria Farini Concept. Uno scenario d’eccezione dove per dieci giorni prenderanno vita le opere di oltre quaranta artisti provenienti non solo dall’Italia, ma anche da vari paesi europei, tra i quali Germania, Austria, Svizzera, Francia e Irlanda. Promossa anche l’arte locale con la partecipazione di due artiste bolognesi: Gabriella Baraldi e Bruna Labruna. Ideato e curato da Mary Sperti in collaborazione con il professor Nuccio Mula, componente dell’Associazione internazionale Critici d’Arte e uno dei dieci iscritti alla lista critici d’arte parigini, la mostra nasce con l’obiettivo di divulgare l’arte in tutte le sue forme, cercando di creare un palcoscenico che possa far convivere armoniosamente la scultura, la pittura, la fotografia, la danza, la musica e la letteratura. Patrocinato dall’Ordine dei Giornalisti delle Marche, regione dove risiede la Sperti, dal Comune di Bologna e dalla Regione Emilia Romagna, l’evento, oltre che a far conoscere gli artisti presenti, è stato concepito con l’intenzione di rendere sempre più stretto il rapporto tra i vari aspetti artistici e il fruitore, consentendogli di vivere un’esperienza simbiotica con ciò che lo circonda all’interno della location utilizzata. Proprio per favorire il consumo d’arte, l’accesso alla mostra è totalmente gratuita. Altro fondamentale intento è quello di far interagire il territorio con l’arte, facendo convogliare per i giorni dell’evento decine di artisti in città, offrendo loro lo specchio di peculiarità – culturali, artistiche, turistiche, enogastronomiche - che la regione che ospita Face’Arts possiede. A fare da collante a tutte le edizioni fino ad ora realizzate, la stampa di un catalogo in cui vengono descritti gli artisti presenti e le opere esposte. La conferenza stampa dell’evento si terrà il 21 ottobre alle ore 11 presso il portico della Galleria Farini. Il vernissage è previsto per il 22 ottobre, ore 18. Ad aprire la mostra, i musicisti del duo Emhain Cecilia e Alici Masini, e la degustazione dei vini d.o.c dell’Azienda Vitivinicola Socci di Castelplanio (Ancona). Presente il sommelier forlivese Maurizio Brasini.

Di Rosa . in Rosa

Roseto di Roma Capitale Via di Valle Murcia 7 Roma

Mostra d'Arte nell'ambito del Concorso Internazionale per nuove varietà di rose "Premio Roma" 2016 74a Edizione

Biennale di Viterbo, 4a edizione

Palazzo dei Priori, Palazzo dei Papi e Convento, Museo e giardino Santa Rosa Venerini, VITERBO

CANTIERE BIENNALE VITERBO
Viterbo, 5 maggio - 5 giugno 2016
Il 5 maggio si apriranno le porte del Cantiere Biennale nelle sedi di : Palazzo dei Priori, Palazzo dei
Papi e Convento Santa Rosa Venerini, con allestimenti work in progress, per cercare quella magia
che ci salva e cura dalle tenebre, per vivere con intensità nel quotidiano anche il mondo invisibile
dei pensieri e dei sentimenti ed arrivare, non esausti ma felici, fino all’ultimo giorno per
l’inaugurazione.
Nell’Anno Giubilare della Misericordia e del 400° anno dalla morte del grande scrittore William
Shakespeare, la Biennale di Viterbo, giunta alla 4a edizione, è la più “giovane” d’Italia, giovane
nello spirito, nelle dinamiche, e nell’attenzione sempre riservata fin dagli esordi, alla generazione
artistica accademica, emergente e contemporanea, senza mai dimenticare ed esaltare la bellezza e la
cultura antica.
Un Cantiere dove di giorno in giorno si costruirà, o ricostruirà: saranno a ricordarcelo I Solisti
Aquilani con un Concerto al Duomo di San Lorenzo il giorno 6 maggio alle ore 21. Mentre pittori,
scultori e performers accoglieranno il curioso spettatore nelle sedi espositive di Palazzo dei Priori in
sala Regia, Palazzo dei Papi in sala Alessandro IV, nel Convento Santa Rosa Venerini con le
Accademie di Bari, Firenze, Milano, Roma, Urbino e Verona, nonchè il liceo artistico di Conegliano
(Tv).
Due le aperture speciali : il Museo Santa Rosa Venerini, dove oltre la visita, sarà presente la mostra
“. camminando con Francesco” di Stefano Galardi l’attiguo giardino con l’inaugurazione della
prima residenza d’artista di Viterbo in cui la ceramista Daniela Lai di Artistica realizzerà in itinere
durante tutto il mese della Biennale un’opera site specific dedicata all’infanzia.
Sempre nel Convento Santa Rosa Venerini si allestirà la prima residenza teatrale. Mentre al Gran
Caffè Schenardi “Cleopatra divina donna d’Inferno”, di e con Antonella Rizzo, si presenterà nella
sua vera essenza di donna. E “nel mezzo del cammin. “ il 15 maggio ci troveremo a Tuscania per
assegnare il Riconoscimento Internazionale per la Cultura Indipendente in Movimento ad una
grande donna “pastora ed artista” : Bonaria Manca (Orune, 1925*).
Molti gli eventi in calendario, un viaggio, un sogno che ricalcherà quello di uno Shakespeare
ventenne, con il suo stile e talento visionario, che nell’estate del 1584 salpa dal porto di Dover alla
volta dei Paesi Bassi, tra tumulti e contese, passando di città in città, quelle città e paesaggi che
fanno da sfondo all’umanità varia che il giovane incrocia lungo il suo cammino: spie e patrioti,
mercanti e predicatori riformisti, raffinati intellettuali e sanguinari uomini d’arme, giovani vergini
suicide e smaliziate prime donne di compagnie teatrali.
Un lungo viaggio iniziatico, come nell’opera alchemica di Eva Tarantello, nel corso del quale il
giovane poeta incontra praticamente tutto quello che riverserà nella sua opera, ben sapendo che “le
propensioni di un carattere si deducono tutte da un certo numero di sentimenti, così come con poche
cifre è possibile scrivere tutti i numeri” (Léon Daudet).

VI BIENNALE D'ARTE CONTEMPORANEA ITALIANA (Lecce)

Complesso Monumentale Guglielmo II°, Monreale (PA)


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